No llegó a conocer a su abuelo el maestro zapatero italiano Salvatore Ferragamo, pero su legado lo tiene muy presente, tanto que lo moldea cada día. Al igual que él, trabaja la piel, pero no en zapatos. Arquitecta de formación por el Politécnico de Milán y especializada en el diseño de joyas, Maria Sole Ferragamo (Florencia, 1990) se dedica profesionalmente a la creación de joyas a través de su marca SO-LE STUDIO.
Para So-le Studio convierte los excedentes de cuero de la industria en piezas de joyería escultóricas y sostenibles. Un control absoluto de la técnica gracias a sus conocimientos sobre arquitectura y su pasión por el universo de la joyería. El resultado son piezas de apariencia pesada pero de tacto ligero, de gran valor emocional, el verdadero lujo para ella.
A ella le emociona la artesanía y cree firmemente que las nuevas generaciones velarán por asegurar su futuro. De su pasión por la tradición y su fusión con la innovación, de sus nuevos proyectos en Milan Design Week y de su bagaje familiar nos habla en esta entrevista en la que se encarga de dejar claro que la apuesta siempre tiene que ser el método ni lo estética.
Crecer dentro del universo Ferragamo implica convivir con un legado donde la artesanía y la innovación casi funcionan como una herencia genética. ¿En qué momento sintió la necesidad de construir una voz propia más allá del apellido?
En realidad no fue una decisión consciente, sino la evolución natural de seguir mi pasión por hacer y crear joyas. Cuando realicé el primer collar a partir de cuero abandonado en 2013, mi visión comenzó a tomar forma. Fue una de esas decisiones que en realidad no son una decisión, sino simplemente aquello que surge de manera natural como parte de la evolución de tu propio camino.
Su abuelo, Salvatore Ferragamo, entendía el diseño como un equilibrio entre belleza, técnica y funcionalidad. ¿Cree que hoy seguimos diseñando con esa misma profundidad o la industria ha sacrificado parte de esa reflexión en favor de la velocidad?
El hecho de que nos estemos planteando esta cuestión significa que cada vez existe una mayor conciencia sobre ella. Vivimos en un entorno cada vez más acelerado, pero creo que la creación intencional necesita tiempo. En SO-LE STUDIO protegemos ese tiempo y sentimos una gran responsabilidad en un mundo saturado de objetos. Nunca me mueve la necesidad de añadir algo nuevo, sino la de crear algo que tenga una razón de ser y un proceso de reflexión sólido detrás.
Se formó como arquitecta antes de dedicarse a la joyería. ¿Cómo dialogan esas dos disciplinas en su proceso creativo?
La arquitectura es la base de mi manera de pensar y de trabajar. Abordo la joyería como si estuviera diseñando edificios, pensando en términos de forma, función, geometría y armonía. La diferencia está en la escala: estas estructuras viven sobre el cuerpo, aunque también tiendo a pensarlas como objetos en el espacio.
¿Y piensa las joyas como pequeños espacios habitables o como objetos emocionales?
Se trata de crear un diálogo íntimo entre el objeto y la persona que lo lleva, de modo que las piezas se conviertan en una expresión de la identidad y la personalidad de quien las usa.
Sus piezas tienen una dimensión casi escultórica, muy vinculada a la materia y al gesto artesanal. En un momento dominado por lo digital, ¿cree que el lujo contemporáneo necesita volver a lo táctil?
Creo que necesitamos emociones, y cada marca debe encontrar el medio adecuado para transmitirlas según la naturaleza de su producto. En SO-LE STUDIO la experiencia táctil y física es esencial porque uno de mis principales principios de diseño es la ilusión. Creamos piezas que no parecen lo que realmente son: aparentan estar hechas de metal pesado, pero son extremadamente ligeras y están confeccionadas con cuero suave. La experiencia física permite comprender plenamente las características del producto, y por eso decidimos abrir nuestra primera tienda en Milán en 2022. Seguimos desarrollando experiencias físicas que posteriormente se amplifican a través de los canales digitales.
Con Lucemuta, presentado durante la Milan Design Week junto a Bottega Ghianda, entra por primera vez en el universo del diseño de interiores. ¿Qué encontró en el objeto doméstico que no podía expresar a través de la joyería?
Lucemuta, creado en colaboración con Bottega Ghianda y presentado durante la Milan Design Week, me permitió explorar por primera vez la escala, la presencia y el trabajo con la luz. Lo más interesante fue aplicar a una lámpara los mismos principios que guían mi proceso creativo en la joyería: una pieza versátil que juega con la ilusión, la deformación y el uso poco convencional de materiales como la madera y el cuero. Se trataba de trasladar la misma intención y el mismo nivel de artesanía a objetos que enmarcan nuestros rituales cotidianos.
El nombre Lucemuta sugiere transformación, movimiento, incluso una dimensión casi poética de la luz. ¿Qué conversación quería abrir entre materialidad, artesanía y emoción dentro de este proyecto?
El propio nombre, Lucemuta, luz en transformación, sugiere la esencia del proyecto: cómo los materiales y la luz pueden modificar nuestra percepción y nuestras emociones. Quería cuestionar la idea de que los objetos de lujo necesitan hacerse notar de forma ostentosa. En cambio, Lucemuta se expresa a través de la sutileza, de la manera en que un material captura la luz de forma inesperada. Habla del poder silencioso de las cosas creadas con intención.
Italia tiene una tradición única donde moda, arquitectura y diseño conviven sin jerarquías. ¿Siente que las nuevas generaciones italianas están redefiniendo esa idea clásica del ‘Made in Italy’?
Las nuevas generaciones no están abandonando la tradición, sino reinterpretándola. Se trata de una metodología: el rigor, la unión entre tradición y experimentación, y el respeto por los artesanos y los materiales. Nos preguntamos “¿cómo puedo hacer esto de una manera que tenga sentido hoy?” en lugar de repetir lo que siempre se ha hecho. Esa conciencia, ese diálogo entre herencia e innovación, constituye el nuevo ADN de la creatividad italiana.
Su trabajo parece moverse entre intimidad y monumentalidad: una joya puede sentirse arquitectónica y un objeto de diseño, profundamente emocional. ¿Le interesa borrar las fronteras entre disciplinas creativas?
No fue algo que comenzara a hacer de forma intencionada, pero está profundamente arraigado en las características y principios de mis diseños. Al principio, al público le costaba entender mi trabajo porque no podía encasillarlo en una sola categoría: podía ser moda, diseño y obra artística al mismo tiempo. Lo importante es mantenerse fiel y coherente con los propios principios. La conversación se produce entre la forma, el material, la emoción y la función. Al moverme con naturalidad entre la joyería, los interiores y los objetos escultóricos, estoy explorando el mismo lenguaje en diferentes escalas y contextos.
Cuando piensa en el futuro de su trabajo, entre joyería, arquitectura e interiores, ¿qué le interesa realmente dejar como legado: una estética reconocible o una determinada manera de entender el diseño y la artesanía?
En última instancia, una forma de pensar y de diseñar. Una estética puede quedarse obsoleta con el tiempo, pero una metodología perdura.
